Courtyard of the Casa Sorolla

En 1909, Sorolla invirtió la mayor parte del dinero que había ganado en su exposición de Nueva York en la construcción de una casa que él mismo había diseñado. Siguiendo el consejo de su amigo, el pintor Aureliano de Beruete , compró un terreno en la parte más alta de Madrid, entre el distrito de Chamberí y el Paseo de la Castellana o Paseo del Obelisco, como se lo conocía entonces.

La casa fue construida según los planos del arquitecto Enrique María Repullés. El propio Sorolla diseñó el jardín circundante, en gran medida en los estilos valenciano y sevillano. Lo decoró con fuentes y estatuas, dispuestas con gran sentido de la armonía, y con una hermosa colección de azulejos valencianos de azul sobre un fondo blanco. La casa fue terminada en 1911.

Esta pintura pertenece a una serie de estudios que Sorolla hizo sobre el jardín y los patios de su casa en Madrid. Aunque la mayoría no están fechadas ni firmadas, se sabe que fueron pintadas entre 1914 y 1920, en diferentes momentos del día y en todas las estaciones. Sin embargo, el jardín fue representado principalmente en la primavera, cuando las flores estaban en plena floración. Bernardino de Pantorba catalogó los veintiocho puntos de vista que pertenecen al Museo Sorolla en Madrid . Los otros pertenecen a colecciones privadas.

En 1917, Sorolla trabajó intensamente en su serie principal "Las regiones de España ", encargada por Archer Milton Huntington para la Biblioteca de la Hispanic Society of America en Nueva York . Sin embargo, entre febrero y octubre de ese año, interrumpió sus viajes por España y regresó a Madrid, una de las razones fue el nacimiento de su primer nieto. También aprovechó la oportunidad para pasar el verano en San Sebastián . "Patio de la Casa Sorolla" sin duda fue pintado en la primavera de ese año, durante su estancia en Madrid.

Lo más llamativo cuando se ve esta pintura por primera vez es el color. El artista mostró su habilidad para representar el efecto de la luz con amplias pinceladas. Los colores que eligió para esta imagen fueron los que usó en sus paisajes y paisajes marinos: amarillos, rojos y violetas. Las pinceladas son desiguales, pero nunca inestables. Así es como, unos meses después de completar esta pintura, Sorolla explicó su particular técnica a un periodista francés: "No tengo una receta, porque en mi opinión la pintura es una disposición mental. Mis pinceladas son cortas o largas dependiendo del sujeto y la ocasión ".

La composición se centra en la fuente poligonal de azulejos azules cubierta de flores y rodeada de abundante vegetación, con parte de la casa visible al fondo. Sin embargo, el juego de colores es tan dominante que el espectador presta poca atención a los objetos representados. Sorolla no usó un mensaje iconográfico cuyo lenguaje estaría compuesto por la fuente, las macetas, las flores o el edificio; su único interés radica en las superficies de todos estos objetos y la forma en que reflejan la luz predominante. Por lo tanto, la pintura establece un equilibrio entre la solidez de los objetos, el brillo de la luz y el entorno de color en el que están inmersos. La imagen vibrante transmite tal impresión de movimiento dentro de la composición que el efecto de luz sobre los objetos se percibe más claramente que su solidez física real.

Ese año (1917) una serie de críticos catalanes comentaron sobre la conexión entre los estudios de Sorolla y la investigación llevada a cabo por artistas catalanes como Anglada-Camarasa, Santiago Rusiñol y Eliseu Meifrèn . Pero para Sorolla, el enfoque completo del estudio de la naturaleza que emprendió en ese período fue más que un mero ejercicio visual. De hecho, a menudo involucraba emociones fuertes, ya veces agotadoras. En 1916 le escribió a su esposa: "No sé si es por debilidad o por un exceso de sensibilidad, pero hoy la contemplación de la naturaleza me ha afectado más que cualquier otro día". Y nuevamente en 1918, en otra carta a su esposa, él escribió: "Desearía no estar tan emocionado por la emoción porque, después de unas pocas horas como la de hoy, me siento devastado, exhausto; No puedo sentir tanto placer, no puedo soportarlo como solía hacerlo [...]. Esto se debe a que pintar, cuando uno lo siente, es superior a cualquier otra cosa. No, quise decir que es la naturaleza lo que es tan hermoso ". Cuando observamos esta imagen, nos cautiva la respuesta emocional del pintor a la naturaleza y nos encanta su habilidad para transmitir esta emoción a través de la luz y el color.

Carmen Gracia